Med ett internationellt boxkontor på över $ 700 miljoner världen över och $ 354 miljoner inhemskt räknas Patty Jenkins Wonder Woman lätt som en av de mest kommersiellt framgångsrika filmerna som någonsin har varit regisserade eller samregisserade av en kvinna.
Det har också fått överväldigande kritisk beröm över hela linjen, med en häpnadsväckande betyg på 92% på Rotten Tomatoes, som officiellt intygar det som "färskt."
Medan vissa berömmar kan vara överdrivna, förnekar det inte filmens anmärkningsvärda framgång som både ett underhållningsverk och som en kulturell samlingspunkt för kvinnors främjande i filmskapande.
I den här artikeln kommer vi att titta tillbaka på filmhistoria och komma ihåg den viktiga roll som kvinnliga regissörer har spelat i den. Från det banbrytande arbetet för Alice Guy-Blaché till Kathryn Bigelows kröning vid 82: e Oscar-utmärkelsen har kvinnor alltid varit i framkant när det gäller filmframsteg.
För att fira dem, här är en lista över de 16 bästa filmerna i alla tider riktade av kvinnor, rankade.
16 The Babadook (2014 - reg. Jennifer Kent)
Nästan varje stor skräckfilm har en överström av förtryckt smärta, där demonerna, spöken, monster och mördare är ett aggressivt uttryck. Från denna välkända truism har Jennifer Kent extraherat den mest gripande filmen om sorg och depression sedan Lars Von Triers Melancholia och en av de sannaste porträtten av föräldraskap som någonsin har lagts till film.
Istället för att använda sin metafor som berättelsens främsta argument bygger The Babadook den på en grund av obehagligt realistiska scener av moder-son-konflikt, från vilken det titulära monsteret framträder som en logisk kulmination, som sömlöst överför filmen till den expressionistiska fantasin.
Det är Essie Davis och Noah Wisemans duellföreställningar som ger liv till filmen och ger dess skrämmande kraft. Under de senaste åren har Babadook också blivit en symbol för LGBTQ-samhället.
15 Jeanne Dielman, 23 Quai Du Commerce, 1080 Bruxelles (1975 - dir. Chantal Akerman)
Tänk på detta: en tre timmars lång film som följer en ensam mammas dagliga rutin när hon står upp, badar, gör sin son redo för skolan, städar sin lägenhet, köper mat, förbereder middag och prostituerar sig själv (mestadels utanför skärmen) att betala räkningarna. Jeanne Dielman händer allt i långa singeltagningar, där ingen detalj av hennes handlingar sparas, med gles dialog och ingen voice-over berättelse för att förklara hennes tankar.
Om detta låter som ett uthållighetstest, beror det på att det till viss del är det. Genom att dela varje minut och tystnad med oss testar Chantal Akerman vår tålamod och förmåga för empati för att bättre avslöja betydelsen som dessa uppgifter har för hennes huvudperson och den vägtull som de långsamt tar på henne.
Förankrat av en oförstörande förödande tour de force-ledningsprestanda från Delphine Seyrig, är Jeanne Dielman ett mästerverk av social skräck, vars långsamma kraft fortfarande är oöverträffad denna dag.
14 14. Clueless (1995 - direktör Amy Heckerling)
Det är denna avgörande detalj som skiljer bra tonårsfilmer från dåliga, och Clueless slår den ur parken. Det är observant, roligt och mycket smartare än det ursprungligen låter - en perfekt match för sin huvudperson.
13 The Prince Of Egypt (1998 - dir. Brenda Chapman & Simon Wells)
T han Prinsen av Egypten står som något av en anomali i Dreamworks nästan två decennier gamla filmografi: miles away från häftiga barnens hipness som nu definierar det mesta av sin post-Shrek utgång.
Det här animerade antalet historien om Moses och hans befrielse av hebrearna från egyptisk slaveri är majestätisk, vördnadsfull och allvarligt på ett sätt som till och med dagens Disney-produktioner saknar. Genom att använda Moses och Farao Rameses II: s broderförhållande som sin centrala punkt i konflikt, tacklar Brenda Chapman och Simon Wells film tros, lojalitet och kärlek med barnvänlig glädje som - trots dess företags ursprung - ger den en mycket mer personlig känsla än de gamla bibliska eposerna.
En sak som det har gemensamt med klassiska bibliska epiker är dock en stjärnspäckad roll med skrymmen av Val Kilmer som Moses, Sandra Bullock som Miriam, Jeff Goldblum som Aaron och - bäst av allt - Ralph Fiennes som Rameses.
Karaktärernas fullt realiserade mänsklighet sätter sina kämpar med gud, makt och öde på en bekant nivå och förstorar dem på ett sätt som ödmjukar oss. Vem trodde att en barnfilm skulle vara en av de djupaste religiösa anpassningarna som någonsin gjorts?
12 Tomboy (2011 - reg. Céline Sciamma)
Den milde berättelsen släpptes i april 2011 för kritisk beröm på det franska boxkontoret och följer en androgyn tioårig tjej som klär sig ut som en pojke för att passa in i sitt nya grannskap och utvecklar en ömsesidig kross på en lokal tjej.
Det fick oväntad notoritet 2013 efter att konservativa föräldergrupper klagade över att det visades för lärare som en del av ett regeringsstödda filmstudieinitiativ. I samband med den nyligen legaliserade äktenskapet av samma kön i USA och den heta landsomfattande debatten kring det såg idén av skolbarn som tittade på någon i deras ålder som utforskade hennes sexuella identitet på skärmen av motståndare som en provokativ attack mot deras oskuld.
Ironiskt nog är oskuld en av filmens främsta egenskaper. Som en osynlig vän inbjuder Sciammas kamera oss in i hennes huvudpersons värld utan att göra henne till ett objekt av sociologisk studie eller exploatering. Denna intelligenta taktik gör Tomboy till en av de bästa filmerna som någonsin gjorts om den performativa karaktären av könsroller och de oskarpa gränserna mellan könen som de döljer.
11 The Piano (1993 - dir. Jane Campion)
Med en Palme d'Or på filmfestivalen i Cannes, tre Oscars av åtta nomineringar vid 66: e Oscar-utmärkelsen, och $ 140 miljoner på det internationella boxkontoret mot en budget på 7 miljoner dollar, är Piano säkert en av de mest framgångsrika filmerna någonsin gjord av en kvinnlig regissör.
Beläget i 19 : e århundradet Nya Zeeland avser den upplevelsen av en ung stum kvinna såldes till äktenskap med en förmögen pionjär och hennes kamp för självständighet och självuttryck. Detta betecknas av det sexuella kontraktet som hon gör med en pensionerad vit sjöman i gengäld för det enda uttrycksmedlet hon verkligen har: hennes uppskattade piano.
Jane Campion förmedlar sin karakters känslor av förflyttning, depression och hopp med en berusande sensualitet som påminner om tidsperiodens stora romantiska poesi. Kärlek, smärta, grymhet och passion följer varandra i en berusande dans som kulminerar i en mirakulös finale som lämnar er både upprörd och upphetsad.
10 Fast Times At Ridgemont High (1982 - reg. Amy Heckerling)
Innan hon återupplivade den amerikanska high school-komedin med Clueless, banade Amy Heckerling det 1982 med Fast Times At Ridgemont High. Filmen lyckas komprimera ett helt år med eskapader, fängelse och regelbrott till en snabb 90-minuters körtid.
Det följer ett mångsidigt nätverk av studenter, allt från Jennifer Jason Leighs andra jungfruliga Stacy till Sean Penns scenstjälande stoner Jeff Spicoli, när de navigerar på skolans generations-, sociala och sexuella hierarkier.
Som en bro mellan American Graffiti och Dazed And Confused, är Fast Times At Ridgemont High en ensemble teen comedy vars skratt informerar oss så mycket som de underhåller. Heckerlings inriktade riktning och spot-on låtval, i kombination med en oklanderligt balanserad manus med tillstånd av en ung Cameron Crowe, visar en empatisk förståelse för tonårspsyken som få filmskapare har kämpat tidigare eller sedan.
9 The Virgin Suicides (2000 - dir. Sofia Coppola)
"Naturligtvis läkare, du har aldrig varit en 13-årig tjej"
Så talar Cecilia Lissabon, yngst av ett systerskap av fem flickor från en konservativ katolsk övre medelklassfamilj på Michigan-talet, till den olyckliga psykiater som försöker förstå hennes självmordsförsök. Hennes ord - kalla, direkta och genomträngande - sammanfattar hela Sofia Coppolas första inslag, där en grupp tonårspojkar vittnar maktlösa vittnesbörd om flickornas mystiska upplösning.
Coppolas fokus på privilegierade kvinnors och flickors existensiella änui har väckt sin andel av kritik, men hennes förståelse för tonårspsyken bryter ned alla klasshinder här. Detta hjälps av snålt noggranna föreställningar från Kirsten Dunst, Kathleen Turner och James Woods. Omväxlande glädjande, bittersöt och framåtriktat glimmar The Virgin Suicides med den ökade realismen av minnen som så småningom smälter samman med våra drömmar.
8 Persepolis (2007 - dir. Marjane Satrapi & Vincent Paronnaud)
Anpassningar av serietidningar blir inte mycket bättre än Marjane Satrapi och Vincent Paronnauds Oscar-nominerade animerade anpassning av den förstnämnda självbiografiska grafiska romanen om uppväxt i Iran med revolutionen och de krossade hopp, hyperpatriarkal tyranni och upprorisk frigörelse som följde med den. Med hjälp av en skarpa fodrad animationsstil som kontrasterar svart, vit och grå till livlig effekt, hoppar Persepolis ut mot betraktaren som en pop-out bok kommer till liv.
Den här stilen fungerar som en illustrerad erinring av ungdomligt minne som förmedlar alla dess tillhörande känslor med en touch av vuxen vridighet. Med en oklanderlig balanserad cocktail av självförstärkande humor och bittersöt melankoli, finner barnfantasi och ungdomspolitisk angst en gemensam visuell manifestation som samtidigt komplexiserar och avmystifierar landets moderna historia.
7 Orlando (1992 - direktör Sally Potter)
Tilda Swintons androgyny har aldrig använts bättre än i denna utsökta anpassning från Virginia Woolfs banbrytande roman 1992. Det följer en Elizabethan adelsman vars sex på mystiskt sätt förändras från manlig till kvinnlig och som därefter får uppleva århundradenas värde av sexism, hjärtsorg och kärlek alla samtidigt behålla evig ungdom.
I händerna på Sally Potter blir denna reflektion över kön, kön, makt och dödlighet en kontemplativ saga som transporterar sin publik till en plats med avstängd temporär flykt, där de enda vägledande reglerna är huvudkaraktärens tankar och känslor.
Detta gör att filmen kan glida över olika tidsperioder som en tålmodig besökare i ett museum. Orlando rinner som en lugn flod, säker i sin riktning, men ger dig aldrig en fullständigt kartläggd vision om dess ultimata destination tills dess perfekta slutskott.
6 låtar My Brothers lärde mig (2015 - reg. Chloé Zhao)
Den senaste posten på denna lista är en amerikansk oberoende film som släpptes endast i teatrar i franska och New York. Ligger i Lakota-reservationen i Pine Ridge, South Dakota, följer Songs My Brothers Teard Me 11 år gamla Jashaun och hennes tonårsbror Johnny i deras dagliga liv, eftersom den biologiska farens oväntade död lämnar dem funderar över deras framtid och plats i en samhället kämpar för överlevnad.
Första gången regissören Chloé Zhao målar sin karaktärs hopp, drömmar och rädsla med en delikat intryckspensel som undviker känslomässiga klichéer med en mognad som mer rutinerade filmskapare sällan uppnår.
Hon kräver varken medlidande eller sympati från sin publik, istället väljer hon att uppmärksamma sina karakters djupt mänskliga behov av att ansluta och tillhöra genom subtil redigering, semi-improviserade föreställningar och en kamera som lyckas vara både allmänt och diskret. Lugna, återhållsamma och respektfullt medkännande väcker Zhaos film tittarens sociala medvetande med en tyst evokativ kraft.
5 American Psycho (2000 - reg. Mary Harron)
Mary Harrons anpassning av Bret Easton Ellis förment ofilmbara satiriska skräckroman om en förnedrad, misogynistisk Wall Street-yuppie - som kanske eller inte kan vara en seriemördare - har så grundligt genomsyrat folkmedvetandet att det är lätt att glömma hur kontroversiellt det var vid dess släpp. Förutom feministiska invändningar mot källmaterialets innehåll avfärdade många filmkritiker det som lätt, tandlöst och extremt grunt.
Trots att denna kritik är förståelig, saknar de den smarta subversiviteten i Harrons förföriska stil och Christian Bales självmedvetna breda prestanda. Hennes komedi är inte förnärmande så mycket som nyfiken. genom att använda thrillerkinematografi och överdrivna uppträdanden av kapitalistisk maskulinitet, vänder hon den släta dragningen av konstförstånd mot sig själv för att bättre avslöja tomheten bakom det.
4 Passande beteende (2015 - dir. Desiree Akhavan)
Släppt till teatrar 2015 efter att ha tillbringat ett år på att projiceras i filmfestivaler över hela världen, signalerar Desiree Akhavans debutfilm som skådespelare, författare och regissör framväxten av en exceptionellt skarp och uppfriskande ny talang.
I en tid då indiekomedier med inriktning på kärleken och sexlivet för neurotiska medelklass New York-människor har blivit nästan lika spelade som explosionsfyllda action-blockbuster, vad lämpligt beteende åstadkommer är intet mindre än mirakulöst.
Med pin-point precision och förödande noggrann komisk timing drar Akhavan löst på sin egen erfarenhet för att berätta den persiska Brooklynite Shirins identitetskriser, då ett samliv med hennes flickvän inleder henne på en självutvärderande uppdrag.
Under hela resan experimenterar hon med sex, försöker anpassa sig till liberala feministiska förväntningar och brottas med beslutet om att komma ut till sina föräldrar eller inte. Att titta på en komedi med sådan avväpnande uppriktighet och mänsklig noggrannhet är att få hopp om framtiden för både genren och amerikansk film.
3 35 Shots Of Rum (2008 - reg. Claire Denis)
Claire Denis, som är känd för sina filmiska meditationer om effekterna av Frankrikes koloniala arv, är en av Frankrikes mest respekterade levande filmskapare, och efter att ha sett 35 Shots Of Rum är det lätt att se varför.
Efter den antillianska tågledaren Lionel och hans post-tonåriga dotter Joséphine när de tycker om vilken tid de har kvar tillsammans innan deras oundvikliga avsked, väver Denis ett utomordentligt rikt väv av mänskligt liv av enkla vardagliga känslor och händelser.
Varje karaktär, scen och handling känns direkt intimt bekant och iögonfallande nytt, som om du upplever liv från gamla vänner och familj ur en osynlig främlings perspektiv. Du lär känna och ta hand om dessa människor på sätt som du aldrig trodde var möjligt för fiktiva karaktärer. Biograf blir sällan mer generös, komplex och livsbekräftande än detta.
2 Wanda (1970 - reg. Barbara Loden)
Enligt traditionella regler för filmisk berättelse bör Wanda vara ett fullständigt misslyckande. Det är ett tunt plottat, episodiskt porträtt av en galet passiv - och nästan stum - huvudperson som låter saker hända med henne utan eget initiativ, och motståndskraftigt motstår alla publikförsök att identifiera sig med henne.
Ändå, genom att ta bort alla dessa berättande baser till sitt fulla minimum, ger regissören, författaren och stjärnan Barbara Loden hennes karaktär en smärtsam verklighet till skillnad från något som en mer konventionellt realistisk film skulle kunna producera.
Som skådespelerska var Loden ursprungligen känd för allmänheten som hustru till den berömda filmskaparen Elia Kazan. Wanda slutade tyvärr vara hennes enda långfilm, men med den här filmen gjorde hon lika mycket för att pionera filmkonst som hennes man gjorde med 21.
1 Wonder Woman (2017 - reg. Patty Jenkins)
Wonder Woman: s prestationer förtjänar säkert ett hedersligt omnämnande. Eftersom både den första DC Extended Universe-filmen och den första kvinnledda superhjältefilmen som fick överväldigande positiva recensioner, bröt den två negativa trender samtidigt. Som en ursprungshistoria lyckades det att träffa bekanta beats samtidigt som de justerade tillräckligt med detaljer i dem för att erbjuda något nytt.
I själva verket är Wonder Womans främsta framgång som film hur den använder sin hjältinnas mytiska feministiska rötter för att återuppliva annars konventionella berättelser mönster - särskilt de som involverar Steve Trevor.
Genom Dianas nyfikna ögon, som är osäkra av cynism, påminner Patty Jenkins oss om den betydelse som hjältarna har för oss och korrigerar hennes föregångars grunda missförstånd av dem. Det är de subtila stunderna i filmen som gör filmen så tillfredsställande.
---
Kan du tänka på några andra fantastiska filmer som gjordes av kvinnliga regissörer? Låt oss veta i kommentarerna!