Återbilda en klassisk film är som att lägga upp ditt barn för adoption. Du bör bara göra det om du är hårt i behov av kontanter och även då är det en tragedi. Vi hoppas att sarkasmen här är självklart, liksom de moderna studiornas girighet när det gäller att offra våra filmminnen till förmån för den allsmäktiga dollarn.
Skulle du spotta på en Van Gogh? Redigera Faulkner? Tämda Tsjajkovskij? Om ditt svar är något annat än ett rungande "NEJ", be om förlåtelse. Kom ihåg: att göra de subtila förändringarna av Yodas hudton i den ombehärskade Star Wars-samlingen gjorde George Lucas till en pariah, så låt detta vara en varning till Hollywood: du förblir relevant och viktig för kultur och politik på grund av din kreativitet. Fortsätt att bryta den resursen och motstå frestelsen att regummera helig mark. Det är i ditt bästa intresse att överlämna filmens historiska ädelstenar till Criterion Collection, The Smithsonian och US National Film Registry
Vi har redan täckt 10 filmer Hollywood kommer oundvikligen att göra om, men här är vår lista över de 10 filmer Hollywood Never Never Remake:
Gone With the Wind (1936)
Att anpassa Margaret Mitchells roman från 1936 krävde en nivå av hängivenhet och storslagenhet som Hollywood aldrig hade upplevt. På många sätt blev Victor Flemings Gone With the Wind guldstandarden för filmepos. Genom att inte lämna någon sten som är omvänd med sin svepande vision om antebellum söderut i sin första hälft, och den fullständiga förstörelsen av USA: s slagsmål och försök till återuppbyggnad i den andra, lämnar 1939-filmen ett intryck som är svårt att skaka.
Vivien Leigh, Clark Gable och Hattie McDaniel levererade några av de mest minnesvärda föreställningarna i sin tid och fyllde skärmen med skarpa kontraster av kvicksilver, känslor i gammal tid och ironisk humor. Tillsammans med Max Steiners grunder för en poäng avfyrades Gone With the Wind på alla cylindrar. Kan det göras om idag? Endast till namnet.
8 Casablanca (1942)
Tre år efter framgången med Gone With the Wind, tappade Hollywoods studiosystem tillsammans med sin merkantil produktion av filmer. De hade en formel som fungerade. När Casablanca kom ner på gädda som en anpassning av det oproducerade spelet, Everybody Comes to Rick's, placerades det i produktionssnabba fältet för att fånga sjösäkringen från WWII under allierade invasionen i Nordafrika.
Utgivningen av filmen visade sig briljant tidsbestämd, och medan Casablanca åtnjöt stora bokföringsavkastningar och en positiv reaktion från pressen, anslöt den sig till det offentliga medvetandet väl efter sin första debut. Tack vare ett transcendent manus som erbjuder minnesvärda linjer för varje scen i filmen, förblir regissören Michael Curtizs krigsdrama en av de mest tydligt romantiska filmer som någonsin skapats. Humphrey Bogart och Ingrid Bergman brinner på skärmen. Bilden, musiken och tonen är nästan drömliknande, och varje gång du är klar med att titta på Casablanca vill du spela den igen.
7 Citizen Kane (1941)
Orson Welles var bara 26 år gammal när han regisserade Citizen Kane och hällde en mognad och gravitationer i filmen som få regissörer sedan dess har matchat. Welles teater är en övertygad människa och tillbringade sina tidiga 20-tal tillägnad scenen trots Hollywoods ekonomiska framsteg. När hans utmaningar efterlämnade honom i behov av pengar, flög han ut till Los Angeles och tecknade efter en rundtur i RKO-studior en tvåbildsavtal med dess chefer.
Visst hade Welles sociala förtjänster av märket Clooney, när den första gången filmregissören gick av med en rejäl budget, obeveklig manus för självhäftande manuskript, och, regeringsmaktens guldstandard, rättigheterna till slutskärning i redigeringsrummet. I huvudsak litade de lysande sinnena på RKO denna artist från mitten av 20-talet med nycklarna till kungariket.
Ofta spelade han tricks i studion och arbetade dygnet runt, han gjorde filmen exakt som han föreställde den. Inte bara är Citizen Kane en varaktig ikon för vintage Hollywood, det borde prövas som bevis på att stora regissörer förtjänar fullständig kreativ kontroll. Om publiken för varje tio aborterade storförsök försöker få en Citizen Kane, så spelar "Dictator Director" spelet studiobyråkrati på lång sikt.
It's a Wonderful Life (1946)
Även om det ofta kommer ihåg som en julfilm, är Frank Capras rörande film från 1946 ett hjärtskärande drama i jultomten. Tankar om självmord, av det slag som George Bailey (James Stewart) upplever, är ingen skrattande fråga. Det är kanske därför de bästa ögonblicken i filmen påminner oss om att vi verkligen lever ett underbart liv.
Det är den typen av film som får dig att krama din familj och sakta ner saker i en minut. Den avskyvärda skurken, Mr. Potter (Lionel Barrymore), får din hud att krypa med sin själviska grymhet, nästan ger en uppmaning till handling mot den sociala tendensen till girighet.
It's a Wonderful Life har sina skräckmoment, särskilt när George Bailey ser hur livet skulle vara utan honom. Capra regisserar dessa sekvenser med en mardrömskvalitet som spöker lika lätt som försoningsscenerna. Tillräckligt med komplimanger kan inte ges till Jimmy Stewart för den här föreställningen, och av den anledningen borde filmen förbli helt orörlig.
6 Cool Hand Luke (1967)
"Det vi har här är misslyckande med att kommunicera!" Så talar den sadomasochistiska kaptenen (Strother Martin) i Cool Hand Luke som illustrerar exakt skillnaden mellan svaga män i hans ilk och den oändliga andan hos män som Lucas “Luke” Jackson (Paul Newman). Donn Pearce och Frank R. Pierson skrev ett lufttätt manus som erbjöd Mr. Newman sin turnékraftsprestanda på ett silverfat.
Cool Hand Luke kan aldrig upprepas eftersom filmen definieras av dess huvudspelare. Det märket av cocksure-arrogans och djupt sittande depression gjorde blåögda Newman till något av en paradox. Han tog av sig den dramatiska cocktail i The Hustler, bara sex år före, och han perfekterade sitt hantverk under tiden sedan. I filmen spelar Newman en veterinär från Korea-krigets veterinär som blir ansluten till en kedjegäng för berusande halshuggning av parkeringsmätare.
Saker ser dyster ut för Luke, men medan han avtjänar sin straff, upptäcker han sin ihärdighet och blir genom en serie fängelsegångar den mest respekterade mannen i fängelset. Förvånansvärt blev Cool Hand Luke en av de mest respekterade filmerna i historien.
5 Gudfadern (1972)
Den som omger om Francis Ford Coppola-klassikern är säkert antikrist. Varje försök att återbilda Corleone-eposet skulle vara en levande förolämpning mot bio, för Brando, Pacino, de Niro, Duvall, Cazale och de otaliga andra artister som tog Mario Puzos bok och förvandlade den till ett stycke ren poesi.
Hur börjar man beskriva storslagen klassiker från 1972? Den blinda barden behövde inte beskriva Helen av Troja mycket. Hon var precis så perfekt. Gudfadern har litteraturfläckar som ägnas åt den, och trots filmvärldens illamående dissektion av gangster-epos kommer samtalna aldrig att upphöra.
Teman med respekt, ära och familj körs djupt i Coppolas trilogi, och medan många av Corleones har blod på sina händer, älskade de sig till publiken med sin passion och livslängd. Produktionsvärdena är transcendenta, och kontrasterna mellan karaktärer som Michael och Sonny Corleone gör en verkligt fräsch film.
4 The Graduate (1967)
"Fru. Robinson, du försöker förföra mig. Är du inte? ” Mike Nichols fyller sin andra film någonsin med tillräckligt falliska referenser och bilder för att motivera en R-klassificering, men hans regissörens list och klass utjämnade en föräldervänlig PG. Graduate blev grundpelaren i Nichols och Dustin Hoffmans karriärer, med det underskotet av sexuell rastlöshet och identitetskriser som inneslutit eran.
Visst, att titta på Benjamin Braddock (Hoffman) sova med den framträdande förföriska Mrs. Robinson (Anne Bancroft) visade sig kontroversiell för tiderna, men det gav publiken en av de mest humoristiska, engagerande kommande ålder-berättelserna som skulle filmas. Att äga rum på 1960-talet, där den amerikanska kärnkraftsfamiljen hade mycket mindre klyvning än atombomben, var Nichols tråkiga jabs på kulturen ("plast") avancerad, oklanderlig och oändlig.
3 On The Waterfront (1954)
On the Waterfront baserades på en handfull artiklar som publicerades 1949 som avslöjade brutaliteten och striderna bland New Jersey longshoreman, vilket gjorde filmen till en gång i livet. Journalist Malcolm Johnson, som tillhandahöll det ultimata källmaterialet för en film, gav regissören Elia Kazan den typen av råvaror och realism som han alltid strävade efter att hitta.
Kazan var beryktad för att provocera slagsmål och osäkerhet i sina apparater och tände säkringen för vad han hoppades skulle bli en pulverkappexplosion när kamerorna började rulla. Terry Malloy (Marlon Brando i en av sina mest varaktiga roller) representerar den allamerikanska arbetaren med blå krage som hade ett skott på glans och missat, dubbat till nedbrytning av hans dubbliga mob-chef Johnny Friendly (Lee J. Cobb, den ultimata skärmen hot).
I slutändan lyste filmen en strålkastare på korruptionen inbäddad i Hoboken Docks och gav filmgästerna en bit av livet som aldrig kan replikeras.
2 Lawrence of Arabia (1962)
Peter O'Toole är en tungvikt i filmlore, och även om han på något sätt undgick Akademins fördel och inte lyckades vinna bästa skådespelare för Lawrence of Arabia, hans skildring av TE Lawrence definierade Hollywood-hjälten. O'Toole är tunn och utbildad med en engelska forskares uttalande och förvandlar Lawrence till en lysande cowboy av arabiska sandstränderna.
David Leans epos 1962 framställer dess eponymous karaktär som en brittisk hjälte som hjälpte till att främja Union Jacks framgång på Arabiska halvön under första världskriget. En vanlig John Wayne var han dock inte, och det var där O'Toole hittade utrymme för sina förstklassiga skådespelare. I filmen (briljant fotograferad av kinematografen Freddie Young) visas TE Lawrence som en kompaktfylld krigare, i konflikt med hans våldsamma och fridfulla vakillationer. Han bär sin skuldridda PTSD på sina beduineröverdragna ärmar, men i klassisk engelsk stil förhindrar hans egna bekymmer inte honom från att fullgöra sin plikt.
O'Tooles Lawrence kämpar med hans ansvar, men sväljes aldrig av dem. Tillverkad långt efter utgivningen av Gone With the Wind kan Lawrence of Arabia med rätta betraktas som en förlängning av Victor Flemings epos, som visar Hollywood den gränslösa potentialen i filmisk berättelse.
1 A Clockwork Orange (1971)
Återbilda en Kubrick-film skulle ta otroligt chutzpah. Hur skulle man börja få tillgång till den berömda regissörens noggranna speciella inställning till filmskapande? Det kanske mest orörliga inlägget i hans oeuvre är A Clockwork Orange, en riktig resa ner mentalt-instabil-lane som inkluderar en av de mest sadistiska scenerna som någonsin har ställts till den oskyldiga "Singin 'in the Rain." Poor Gene Kelly.
Alex (Malcolm McDowell) är spetsen för den Storbritanniens bundna gänget cockney-ungdomar som våldtar och plundrar sin väg genom ett allt mer trasigt samhälle. Det är en upprörande och chockerande film som attackerar ögonen medan han kastar tarmstans mot vår känsla av moral och förnuft. Om det finns någon bild i filmen som bäst fångar Kubricks förmågor, är det utan tvekan den scen där Alex har sina ögon mekaniskt bjudna öppna och kraftmatade attackerande bilder som ombryter hans hjärna.
Tack, Stanley.
-
Där har du det! Vilka klassiska filmer tycker du borde vara undantagna från en Hollywood-remake? Låt oss veta i kommentarerna nedan!