"Tiden gör oss alla dårar", sa matematikern Eric Bell. Det är ett citat du antagligen har gjort några gånger, vanligtvis när någon beklagar förlusten av de goda gamla dagarna eller några nuvarande omständigheter. Det är ett deprimerande ordstäv som är desto mer tragiskt av hur sant det ofta visar sig vara. Filmfans känner till detta. Ofta kommer vi ihåg någon äldre film från vår ungdom som fantastisk, eller hörs om en äldre film som har ansetts vara en klassiker, och blir besvikna när vi kontrollerar den nu för oss själva och upptäcker att den inte har överlevt tidens test.
Den del av citatet som tenderar att klippas ut är "Vår enda tröst är att större kommer efter oss." Ibland är det frestande att försvara klassiska filmer genom åren som felfria exempel på vad filmer kan bäst. Vi sätter dem på en piedestal så högt att vi är avsedda att se upp till dem för alltid och aldrig riktigt nå sina omöjligt höga höjder. Sanningen i saken är att tiden kan göra narr av även de största filmerna (för att inte tala om mer moderna storfilmer). Istället för att ignorera det är det kanske bättre att komma ihåg att det banar väg för större saker att komma.
Här tar Screen Rant upp de 15 klassiska filmerna som har gått dåligt.
15 medelgator (1973)
Den älskade filmkritikern Roger Ebert hänvisade en gång till Mean Streets som "en av källpunkterna för moderna filmer." Många fans väljer dock helt enkelt att komma ihåg det som den första sanna Martin Scorsese-filmen. Även om det inte är korrekt kronologiskt, är det korrekt andligt. Det här är filmen som skapade Scorseses kärlek till grovt språk (den satte rekord för de flesta användningarna av F-ordet), realistiska skildringar av brott i staden och användning av licensierad musik för att sätta en scen. Det är en stil som Scorcese och många andra regissörer fortsatte att efterlikna och göra perfekt genom åren.
Det är en del av problemet med Mean Streets. Det är ett grovt utkast som skulle redigeras av många stora visionärer (särskilt Scorsese själv) tills det blev ett tidlöst mästerverk i filmer som Goodfellas. Det finns älskvärda fall av amatörfilm i Mean Streets (kampscener som inte känns koreograferade), men mycket av filmen känns slarvig snarare än rå. Taxichaufför, en Scorsese-film som släpptes bara tre år efter Mean Streets, har inte tappat något av sin bit över tiden. Det är svårt att säga detsamma för den här filmen som en gång var lätt att berömma för att vara en annan typ av brottsfilm.
14 The Birds (1963)
De allra flesta klassiska Hitchcock-filmerna har åldrats otroligt bra. Det är faktiskt lite skrämmande hur filmer som Rear Window, Vertigo och North By Northwest fortfarande har få moderna filmkompisar. Det fantastiska med Hitchcocks bästa filmer är att de har ett sätt att helt fördjupa dig i sina världar. Hitchcock använde sin kamera som en pensel för att noggrant detaljera varje tum i varje ram. Det är denna nivå av kontroll som hjälpte honom att bli "The Master of Suspense".
Få av dessa tidlösa kvaliteter framträder i The Birds. Det finns några ögonblick av filmskapande skönhet i The Birds, men det här är Hitchcock på hans mest oinspirerande (vilket inte är så mycket av en förolämpning som du tror det är). Så mycket av det första beröm som denna film fick hade att göra med filmens specialeffekter. Nu när dessa effekter är så föråldrade blir det mycket svårare att verkligen köpa in hela "fåglarna bestämmer sig för att börja attackera människor". Med tanke på hur mycket körsträcka filmen försöker komma ur den förutsättningen är det ett problem. När det gäller långsiktig effektivitet är det inte ett ljus för Hitchcocks tidigare genrearbete, Psycho.
13 Breakfast At Tiffany's (1961)
Det är lätt nog att se vad folk såg i Breakfast At Tiffany's när det släpptes 1961. Det var en bearbetning av en hitroman, den spelade den ojämförliga Audrey Hepburn i en ikonisk roll, och filmen är otroligt bra (dess bästa art direction Oscar är välförtjänt). Det var en romantisk komedi i andan av klassiska filmer som It Happened One Night, men med precis tillräckligt modern relevans för att ge den en kant. Titta dock på filmen nu, och du kommer förmodligen att fokusera på några saker som publiken då inte gjorde.
Det mest anmärkningsvärda bland dessa moderna uppenbarelser är den fruktansvärda rasistiska rollen som Mr. Yunioshi, som spelas av Mickey Rooney. Det är en filmavvikelse genom att det är en skildring som är så uppenbart rasistisk att den nästan överskrider rasism. När du tittar bortom även de tydligt daterade elementen har du fortfarande en film som inte hittar sin punkt. Truman Capotes frukost hos Tiffany berättade den hjärtskärande historien om en ung flicka som försökte hitta sin väg i en grov stad. Filmens största synd är att den "Hollywoodiserade" så många av de ursprungliga berättelserna på ett sätt som modern publik ofta demoniserar studior för.
12 Saturday Night Fever (1977)
"Men Saturday Night Fever är en ögonblicksbild av 70-talet!" du kanske säger. I så fall har du verkligen inte fel. John Badhams film från 1977 om ett barn från Brooklyn som heter Tony som bara försöker ha det bra och kanske hitta lite berömmelse eftersom den bästa dansaren i sitt hörn av världen verkligen fångar andan på 70-talet. Filmens mode är vanligtvis vad många tänker på när de försöker föreställa sig ungdomen i denna period. Det är soundtrack för evigt förevigat Bee Gees och andra disco-legender, dansscenerna är fantastiska, stämningen är livlig och regi är ganska på punkt.
Anledningen till att Saturday Night Fever är daterad har inget att göra med musik eller mode och har allt att göra med karaktärer. Tony beskrivs generöst som ett kötthuvud. Han har ett hjärnan i ett spår som vanligtvis leder till att han försöker ha så mycket sex som möjligt eller på annat sätt väcker onödigt helvete. I den här före-aidsepidemitiden kan det ha varit lättare att svälja, men Tony och hans grupp tomhåriga, spännande vänner är promiskösa alfa-manliga äventyr idag. Tonys våldtäktsförsök mot Stephanie efter en danstävling är sannolikt det ögonblick som moderna tittare helt enkelt väljer att gå vidare till något annat.
11 vittnen för åtalet (1957)
Vittne för åtalet var verkligen inte den första dramafilmen i rättssalen, men det är lätt att spåra genren så som vi känner den nu tillbaka till filmens influenser. Det är berättelsen om en man som anklagats för mord trots fallets tunga omständliga bevis. Saker når en punkt där både åtalet och försvaret inser att hela ärendet kan bero på svarandens hustrus vittnesmål. Resten av berättelsen spelar ut genom en serie vändningar, den typ som vi så ofta länkar till sådana epos i rättssalen.
För lika nyskapande som filmen var i det avseendet avslöjar den också sin ålder i hur dessa stunder spelar ut. Rättegångshändelserna är avsedda att chockera och överraska tittarna, men mycket av chocken har utspädts genom åren av vaniljkaraktären i själva ärendet. Med tanke på några av de tragedier vi hör om dagligen registreras ett äldre rik kvinnas mord knappt. Det hjälper verkligen inte att några av de viktigaste ögonblicken i filmen levereras på ett otroligt skinkfistat sätt. I själva verket Marlene Dietrichs skrik av "Damn You!" är precis där uppe med Darth Vaders "Nej!" när det gäller dramatiska leveranser blev komiska. Låt oss hoppas att den kommande nyinspelningen (eventuellt regisserad av Ben Affleck) har större vikt under de kommande åren.
10 Rebel Without A Cause (1955)
I en tid då amerikanerna precis började bli medvetna om begreppet tonåringar som sin egen ungdomsgrupp kom Rebel Without A Cause och försökte vädja till denna växande demografi. Det här var filmen som lovade att äntligen lysa upp den här missförstådda generationen. På grund av detta lockade det lika mycket kontroverser och utmärkelser. Hela nationer fruktade dess makt att stimulera tonårsuppror. Andra hyllade det helt enkelt som en revolution.
Numera är det mycket lättare att behandla filmen som en parodi av dess tider. Faktum är att det finns många aspekter av den här filmen som har parodierats. De over-the-top-gängen (vi är ett dansnummer borta från West Side Story i den här), den over-the-top-skådespelaren (James Deans "Du riva mig isär!" Var inspirationen för The Rooms leverans av samma linje), och den produktiva användningen av äldre skådespelare som spelar tonåringar är alla värda en solid ögonroll. Nästan allt i den här filmen var utformad för att generera en känslomässig reaktion från tidens publik. Nu är det mer sannolikt att den här oavsiktliga komedin genererar skratt.
9 True Grit (1969)
True Grit är historiskt sett på en konstig plats. Det släpptes 1969, tre år efter The Good, The Bad och The Ugly och samma år som Butch Cassidy and the Sundance Kid. Kort sagt kom det ut vid en tidpunkt då den västerländska filmen började bli lite grusigare. Trots sitt namn försöker True Grit inte riktigt dra nytta av denna nya stil. Det är en klassisk typ av Western som släpptes vid en tid då genren mognade.
Det är en del av anledningen till att filmen är lite svårare att ta i dessa dagar. Det har inte riktigt den ofiltrerade oskyldiga charmen från tidiga västerlänningar, och det saknar också den mörka mognaden hos några av dess samtida. Det gamla skolans sätt att filmen så starkt innehåller John Wayne blir också ett problem. Hans prestanda är verkligen magnetisk, men det kostar nästan alla andra. Till skillnad från Coen Brothers version av filmen, som visar hjältarna som lika, är 1969-versionen helt klart John Wayne-showen. Det är en föråldrad ledande manmentalitet som gör vissa biroller (särskilt Glen Campbells La Boeuf) nästan outhärdliga.
8 En affär att komma ihåg (1957)
En affär att komma ihåg börjar med en relativt enkel förutsättning. Nickie Ferrante (Cary Grant) springer över Terry McKay (Deborah Kerr) av en händelse. Båda är i relationer, men de lockas helt klart till varandra. Som sådan går de överens om att träffas igen om sex månader vid Empire State Building för att se var de står i livet. I en chockerande vridning av händelser träffas Terry av en bil på väg till Empire State Building. Som sådan gör hon inte mötet och planerar inte att träffa Nickie igen.
Här börjar filmen att träffas. En affär att komma ihåg är faktiskt en remake av en film från 1939 som heter Love Affair, vilket blir uppenbart när du börjar uthärda en serie ostliknande romantiska linjer som "Vinteren måste vara kall för de utan varma minnen" och "Om det hade att hända en av oss, varför kunde det inte ha varit jag? ” Denna extrema nivå av sappighet försämrar en förutsättning som redan var på skakig mark med dess "Kan en man verkligen älska en kvinna i rullstol?" komplott.
7 The Sound of Music (1965)
Finns det något som heter ett hårt G-betyg? I så fall tjänar Sound of Music det. Först och främst, låt oss vara tydliga att oskyldiga musikaler från förflutna tider inte automatiskt åldras dåligt. Mary Poppins är till exempel en mycket smart och välgjord familjefilm. Singin 'in the Rain är också en särskilt lysande film som handlar om en övergångstid i filmskapning som just så råkar vara en musikal. Sound of Music är dock en musikal för att vara en musikal.
Produktionsmässigt är de svepande landsbygdsbilderna som alltid visas när filmen markeras fortfarande imponerande. Det som vanligtvis inte visas i dessa höjdpunkter är de närmaste tre timmarna av meningslöst stängande och långsträckta musikaliska nummer som är utformade för att endast tilltala syngande sycophants. Filmen är väldigt mycket en produkt av sin tid i den meningen att den presenteras som en härlig hyllning till den mycket populära live-action musikgenren. Det fungerade ganska bra för publiken 1965, men 2016 kommer de som vill titta på en stor Hollywood-musikal att hitta massor av alternativ som har mycket mer berättande syfte. De bästa delarna av den här hörs på det officiella soundtracket.
6 En nationers födelse (1915)
Det finns två tydliga ståndpunkter när det gäller DW Griffiths The Birth of a Nation. Den första är att filmen förmodligen är den enskilt viktigaste filmen i filmproduktionens historia. Alla som har satt i en filmskoleklass har hört detta perspektiv. För en film som gjordes 1915 ser The Birth of a Nation nästan ut som om den kunde ha spelats in under de senaste 10 åren. Den andra ståndpunkten identifierar den här filmen på rätt sätt som en av de mest uppenbarligen rasistiska filmerna som någonsin gjorts. Det har förmodligen något att göra med det faktum att det skildrar Ku Klux Klan som nästan orörda hjältar.
När tiden går börjar kontroversen väga tyngre än filmens filmiska spår. Det är inte lätt att titta på Birth of a Nation och komma förbi dess mest daterade sociala element. Det är ett hinder som inte blir mycket lättare att rensa när du inser att den här filmen ledde till förnyat intresse för KKK-medlemskap och hade ursprungligen titeln The Clansman. Den flitiga användningen av blackface under hela filmen är bara den sista spiken i kistan.
5 Easy Rider (1969)
Du kan inte överdriva den inverkan som Easy Rider hade på amerikansk filmskapande. Det erkänns med rätta som filmen som hjälpte till att sparka igång det som vanligtvis kallas New Hollywood-eran. Denna era kännetecknas av att studior är villiga att låta amerikanska regissörer ta en auteurroll och ha kreativ kontroll över sina egna filmer. Socialt talade filmen till en generation amerikaner som bodde mitt i ett kulturellt klimat i förändring. Det omfamnade lockelsen på den öppna vägen medan den tacklade fasorna med vissa kulturella normer.
Bara för att en film är viktig betyder naturligtvis inte att den nödvändigtvis har åldrats bra. Det finns problem med den här filmen ur ett tekniskt perspektiv (mestadels berättelsestrukturrelaterat), men det verkliga problemet är Easy Riders budskap. Dess motkultur teman resonerade lätt med en generation som gått så sällan som film talade om, men Wyatt och Billys äventyr kommer sannolikt att komma över som själviska och grunda när de ses i ett modernt ljus. Den här filmen pratade en gång med människor. Nu skriker det till dem med en trött retorik.
4 Bonnie och Clyde (1967)
För att vara rättvis fanns det ett stort antal människor som inte var så galna på Bonnie och Clyde när de släpptes. De som inte gillade filmen nämnde ofta våldet och sexuellt innehåll som anledningen till deras missnöje. Detta var en av de första stora utgåvorna i amerikansk filmhistoria som verkligen sensationaliserade våld genom att inte skämma bort från att visa det helt. Squibs användes ganska liberalt för skotteffekter. Det hade inte heller några problem med att spela upp det mycket sexuella förhållandet mellan dess huvudpersoner. I slutändan blev dock filmen erkänd som en historiskt betydelsefull release som förändrade hur amerikanska filmer visar våld.
Sedan dess har det uppkommit en mängd filmer som får Bonnie och Clydes våld att se ut som en tecknad lördag morgon. Det skulle vara nästan omöjligt för alla som stadigt har sett filmer under de senaste 20-30 åren att se Bonnie och Clyde och känna sig chockade över allt de såg. Utan samma känslomässiga reaktion som filmen en gång genererade blir Bonnie och Clyde mycket mer anmärkningsvärda för sin ofta underliga presentation och slarvig berättande. Det ger en ganska underhållande drive-in-film, men inte en film som skulle vara en utmärkelse älskling enligt dagens standard (den nominerades till 10 Oscars långt tillbaka när).
3 The Towering Inferno (1974)
Vid tidpunkten för lanseringen var The Towering Inferno en ganska bra idé för en större film. I fotspåren till The Poseidon Adventure packade den här filmen så många stjärnor som studion hade råd med i en byggnad som har tagit eld och snabbt faller sönder. Det var en katastroffilm innan den titeln nödvändigtvis tillämpades på genren och publiken drogs av dess stjärnkraft och skådespel. Det är faktiskt en föregångare till den moderna blockbuster på det sättet.
Det har varit många blockbusters genom åren som inte har åldrats bra, men The Towering Inferno sticker ut på ett par sätt. Först och främst, medan Paul Newman och Steve McQueen alltid är stora dragningar, kommer filmens stjärnkraft inte att överskrida generationer om du inte alltid har velat se Fred Astaire och OJ Simpson i samma film. Flygplan! Experts dissektion av hela denna undergenre gjorde inte heller filmens dramatiska ögonblick någon tjänst. Man kan bara ta så många "Om jag inte ser dig igen" sista kyssar och "Få tag på dig själv kvinna!" ögonblick innan du inser att detta verkligen var en produkt av en annan era.
2 Duck Soup (1933)
Du kanske tror att filmer från 20- och 30-talen bara är lätta att välja. Hur många saker åldras verkligen efter nästan 100 år? Det finns verkligen en hel del filmer från den perioden som fortfarande är relevanta idag. Charlie Chaplins verk är till exempel anmärkningsvärda för sin humor och överraskande emotionella djup. Detsamma kan inte lätt sägas om Marx Brothers. Harpo, Groucho, Gummo och Zeppo Marx var en komisk grupp som en gång var skålen för tidig film. Medan de hade många populära filmer har få blivit lika betydelsefulla som Duck Soup från 1933.
Att titta på Duck Soup nu motsvarar ungefär att se en stand-up komiker kasta skämt efter skämt mot publiken. Ett par kan landa, men det handlar mer om ren volym än för humor. Den stilen är verkligen daterad på egen hand, och Duck Soup hjälper inte sin egen sak genom att fokusera på politisk humor. Inte bara kommer många av filmens referenser att flyga över huvudet på den genomsnittliga moderna tittaren, men det betyder att även de bästa skämt kommer över som de gamla politiska tecknade filmerna där skämtet är tydligt märkt för att undvika eventuell förvirring.
1 borta med vinden (1939)
Gone With The Wind är så synonymt med klassiska filmer att det närmar sig meme-status. Om du till exempel äter en bra korv kan du säga "Det var borta med korvens vind." (Tja, kanske du.) Det är en filmepos i ordets riktiga mening. Spänner över flera detaljerade platser och presenteras i härlig färg, den här filmen gjordes för chockerande 3,85 miljoner dollar (cirka 66 miljoner dollar idag) och nästan varje dollar av den budgeten visas på skärmen. Det satte en produktionsstandard som inte skulle vara lika med de kommande åren.
Det är också ganska föråldrat i många avseenden. Ur filmskapande synvinkel är de utdragna scenerna och den alltför dramatiska uppträdandet inte längre så smältbara som de en gång var. Du har också flera olyckliga ögonblick av bakåtgående politiska meddelanden hela tiden. Gone With The Winds skildring av slaveri och "Old South" i allmänhet romantiseras ofta smärtsamt. Det handlar också om scenen där Rhett tvingar sig på Scarlett för att ge här "vad som kommer till henne." En gång gick det som filmisk romantik, men nu kallas det våldtäkt. Rhetts förklaring att hans handlingar var berättigade eftersom han hade för mycket att dricka lindrar verkligen inte problemet.
---
Vilka andra filmklassiker tycker du har åldrats dåligt? Låt oss veta i kommentarerna.